Melhores de 2012: Temple Beautiful

Chuck Prophet não é nenhum neófito. Sua carreira já conta com mais de dez discos e, pelo demonstrado em Temple Beautiful, o moço continua acelerando os motores.

Ouvi Prophet pela primeira vez em uma coletânea da revista inglesa Uncut, em que se homenageava o som dos Rolling Stones na década de 1970. Nada mais adequado. Prophet extrai o melhor do rock de garagem, do blues e do country que fizeram dos Stones uma verdadeira lenda.

Neste seu mais recente trabalho, Chuck faz uma homenagem despretensiosa à cidade de São Francisco, na Califórnia.

Como o próprio artista declarou, é um disco feito em São Francisco por “sanfranciscanos” sobre São Francisco.

Todas as faixas são excelentes, mas destaco a ótima canção-título (a respeito de um clube de punk rock que congregava vários músicos da Bay Área), Castro Halloween e White Night Big City, esta última uma referência aos assassinatos do ativista gay Harvey Milk e do prefeito George Moscone pelo vereador Dan White.

Melhores de 2012: Celebration Rock

Você sabe que está ficando velho quando começa a ouvir mais Phil Collins que The Clash.

Mas vez ou outra aparece uma porrada sonora que nos transporta imediatamente aos nossos 20 e poucos anos, quando barulho e raiva eram o que mais importava em uma banda.

O Japandroids é um duo formado na cidade de Vancouver, no Canadá, e Celebration Rock é seu segundo disco.

Pouca coisa mudou de 2009 para cá, quando lançaram Post Nothing. Cada canção dos integrantes Brian King e David Prowse – guitarra, bateria e vocais arrancados do fundo do peito – parece ter sido gravada como se fosse a última coisa feita antes do fim do mundo.

A ótima faixa de abertura, The Nights Of Wine And Roses, dá a tônica do disco: cheia de energia e intensidade, parece um trovão a anunciar a tempestade.

Não é som para quem gosta de bandinhas doces e sorridentes. O Japandroids faz punk rock hoje como se 1977 nunca houvesse acabado.

Melhores de 2012: My Head Is An Animal

Uma das mais inesperadas histórias de sucesso de 2012, a rápida ascensão do álbum My Head Is an Animal colocou em evidência a banda islandesa Of Monsters And Men, formada por seis integrantes e tendo à frente a vocalista Nanna Bryndis.

Embora numa primeira audição a gente ache o grupo perigosamente próximo do som do Arcade Fire (onde acaba a homenagem e começa a simples cópia?), aos poucos a beleza das composições vai ganhando força própria ao mesmo tempo em que as canções parecem hipnotizar. 

Recheado de alegorias, imagens surreais e delicadas orquestrações, My Head Is an animal é um disco para se amar ou odiar. Aparentemente, a primeira opção tem sido a mais escolhida.

Melhores de 2012: Celebration Day

Como tudo na história do Led Zeppelin, este último concerto reunindo os três membros originais mais o filho do grande John Bonhan, Jason, já virou mito. 

O grupo poderia ter seguido em frente e engrossado a fileira de bandas que vivem do grande circuito da nostalgia (que aumenta exponencialmente a conta bancária de bandas como Kiss, Rolling Stones e The Who), mas, graças à recusa de Robert Plant, restringiu sua tão esperada volta a um único show, realizado em dezembro de 2007, em Londres.

O pretexto era homenagear o falecido fundador da mítica gravadora Atlantic Records, Ahmet Artegun.

Certamente, para a platéia, isso era o que menos importava. Fico imaginando o delírio de se ouvir, após tantos anos de ausência, o melhor grupo de rock de todos os tempos tocando ao vivo seus grandes clássicos como se nunca tivesse parado de fazê-lo.

A química e a magia permanecem intactas. John Paul Jones e Jimmy Page são irretocáveis e Jason Bonhan honra dignamente a memória de seu pai (para mim e milhões de admiradores, o melhor baterista que já pisou neste mundo). Quanto a Robert Plant, é óbvio que sua voz não é a mesma de sua época áurea, mas ele não precisava se preocupar tanto. Vê-lo durante mais de duas horas levando canções eternas como Kashmir, Whole Lotta Love e Black Dog compensa qualquer falha que o tempo possa ter imprimido a suas cordas vocais. Um registro inestimável.

Melhores de 2012: A Thing Called Divine Fits

Uma das características do rock feito na última década é o intenso intercâmbio entre músicos. Isso gera uma produtividade altíssima e, entre erros e acertos, discos bastante interessantes. 

É o caso deste A Thing Called Divine Fits, do Divine Fits. O cerne do grupo é formado por Brit Daniel, vocalista e principal compositor do Spoon, e Dan Boeckner, que já esteve à frente do Hansome Furs e do Wolf Parade.

Juntos eles alternam vocais e a autoria das ótimas canções dessa estréia do duo. Perfeito para quem curte rock com uma pegada menos óbvia.

Melhores de 2012: Love This Giant

O Talking Heads foi uma das melhores bandas americanas surgidas no boom do pós-punk do final dos anos 1970. Gravaram discos históricos, flertaram com música africana, caribenha e brasileira, abriram os ouvidos de milhares de fãs para novas sonoridades e fizeram música vanguardista sem tirar o olho da pista de dança. 

Era de se esperar que, em sua carreira solo, o vocalista David Byrne levasse adiante essa busca pelo novo e o inesperado. O que aconteceu em parte.

Byrne continua um ávido pesquisador musical. O que mudou foi o mundo. Hoje em dia, nada mais é 100% novidade neste planeta interligado em que vivemos. O que não impede nosso aventureiro de buscar proximidade com artistas novos e instigantes. 

Love This Giant é fruto de uma colaboração de verdade. Das 12 canções do disco, 10 foram feitas por Byrne e Annie Clark, a artista por trás do nome St. Vincent, e as duas restantes são composições individuais. Curiosamente, o estilo de Clark é o que sobressai. Mas o mix de duas vozes muito particulares rende momentos inspiradíssimos.

Melhores de 2012: Locked Down

2012 foi um grande ano para os veteranos do rock: Dylan lançou mais um bom disco, Tempest, o sempre produtivo Neil Young adicionou mais dois trabalhos à sua longa discografia e a eterna musa do punk rock, Patti Smith, voltou com suas tradicionais saladas de poesia e rock em Banga.

Mas, para mim, o melhor do revival dos dinossauros foi o retorno do lendário Mac Rabennack, mais conhecido como Dr. John.

Ativo desde a década de 1950, Rabennack tem uma trajetória acidentada, porém pontuada por discos brilhantes – Gris Gris, de 1968, é frequentemente apontado como sua obra-prima – e por sua excelência como pianista. 

Nascido em New Orleans, o músico incorpora como poucos o caldeirão sonoro de sua cidade natal e passeia com desenvoltura por gêneros como funk, soul, jazz e rock.

Locked Down é produzido por Dan Auerback, guitarrista e vocalista do Black Keys, e faz jus ao rico passado musical de Rabennack, ao mesmo tempo em que explora novos territórios sonoros. Um disco que incorpora o novo e o tradicional de maneira preciosa.

Os Melhores de 2012: Boys And Girls

                

O grande trunfo deste grupo do Alabama é, sem dúvida, a voz privilegiada da cantora Brittany Howard.

Num ano pródigo em novas vozes femininas, Brittany se impôs com categoria e muito soul em interpretações que renderam comparações a Janis Joplin. Não é para tanto. Ela canta pra caramba, mas ainda falta a dose necessária de sofrimento que tornou Janis insubstituível.

De qualquer maneira, o disco de estréia do Alabama Shakes é uma delícia. O melhor está logo na abertura: Hold On é uma daquelas músicas que grudam imediatamente no ouvido, uma amostra do talento do grupo para deglutir as tradições musicais do sul dos Estados Unidos com alma e paixão.

Na faixa-título, outro destaque, Brittany canta languidamente e prova que também pode ser sedutora. Longe de ser uma nova obra-prima do rock, Boys And Girls se impõe, no entanto, como um dos melhores debuts do ano.

Os Melhores de 2012: Fear Fun

Joshua Tillman vem lançando discos com J Tillman há alguns anos. Entre um trabalho e outro, ele tocou bateria em uma das bandas independentes mais badaladas da atualidade, o Fleet Foxes, e, sob a nova alcunha de Father John Misty, soltou este belíssimo Fear Fun. 

A verdade é que não importa com qual nome Tillman se apresenta. Somente sua voz já é motivo suficiente para ficar atento a qualquer movimento do rapaz.

Mas, pelo demonstrado em Fear Fun dá para ver que há muito mais que do que apenas uma boa voz para apreciar.

De 2009, quando lançou o bastante elogiado Vacilando Territory Blues, para cá, Tillman evoluiu significativamente como intérprete e compositor. Suas letras são o produto das experiências de um músico jovem em busca de uma voz própria. Há referências a drogas, relacionamentos desfeitos e mortes na família. Tudo costurado por um fino senso de humor, coisa cada vez mais rara de se encontrar no rock alternativo, um gênero que se leva excessivamente a sério.

É possível que Joshua retorne no ano que vem com um novo nome. Ou simplesmente volte para trás da bateria em outra banda qualquer. Tanto faz: Fear Fun já deixou sua marca e pode sem erro ser considerado um dos melhores discos dos últimos tempos.

Results

Acho bobagem se falar em arte gay. Ninguém ressalta a heterossexualidade quando vai falar de um disco, por exemplo, do Allman Brothers. 

Mas não há como negar a identificação entre determinados artistas e a comunidade gay (outro conceito muito aberto, eu sei).

Tome-se o caso de Liza Minnelli. Só por ser filha de Judy Garland, um ícone para gays americanos desde a década de 1940, Liza já teria o carinho e a simpatia de muita gente.

Mas ela fez seu próprio caminho artístico, brilhou nas telas e nos palcos da Broadway e gravou discos que se inscreveram para sempre no imaginário gay.

Results é um marco dos anos 1980 e apresentou Liza para uma geração de novos fãs. Produzido por Neil Tennant e Chris Lowe, mais conhecidos como Pet Shop Boys, o disco é um luxo só.

Musicalmente, é um produto típico do electropop da época (de bandas como Human League, Depeche Mode e os próprios Pet Shop Boys). O grande diferencial está realmente na voz aveludada e sensual de LM.

Ela dá novas cores para canções alheias – Twist In My Sobriety de Tanita Tikaran e Rent do Pet Shop –, traz a certeira dose de melodrama em Tonight Is Forever e I Want You Now e ainda perpetra dois clássicos para as pistas de dança, Losing My Mind e Love Pains. 

Tudo é realmente de primeira, mas a grande verdade é que qualquer canção vira um deleite nas mãos - ou cordas vocais – da diva de Cabaré.

 Uma pena que ela não tenha seguido em frente na parceria com músicos e admiradores mais jovens.

Anastasis

Após 16 anos de silêncio, o duo Dead Can Dance retorna com mais uma de suas viagens sonoras, o belo Anastasis – grego para ressurreição.

Quem gosta de Cocteau Twins vai encontrar no Dead Can Dance um primo distante, principalmente pelos vocais etéreos e misteriosos da cantora Lisa Gerrard. 

São apenas oito longas e exaustivamente trabalhadas canções. Parece pouco para justificar uma ausência tão grande.

Mas é um típico trabalho com a marca Dead Can Dance, ou seja, há elementos de música oriental, instrumentos exóticos, vocais que parecem saídos de um passado muito longínquo e um clima meio gótico perpassando todo o álbum.

 Não é para todos, isso é certo. Quem gosta, contudo, vai vibrar.

Document

Quando uma grande banda resolve se retirar, muita gente fica inconsolável. Eu, particularmente, acho uma arte para poucos saber o momento certo de dizer adeus. Melhor se aposentar com dignidade que cair no ridículo. 

Deve ter sido o que pensou o R.E.M. quando anunciou sua saída de cena no ano passado. Os últimos discos do grupo já não eram aquela beleza que um dia foram, mas eles nunca chegaram a pisar feio na bola.

 O melhor do R.E.M. se encontra na produção dos anos 80, quando gravaram pela independente I.R.S., mas há canções inesquecíveis em todos os trabalhos subseqüentes. 

Os discos a seguir são os meus cinco preferidos dessa grande banda americana.

1 – Document (1987): o disco que rompeu a barreira entre o underground e o grande público. Um clássico absoluto.

2 – Lifes Reach Pageant (1986): trabalho de transição, com o grupo aprimorando suas habilidades pop e preparando a grande invasão que viria a seguir.

3 – Automatic For The People (1992): só por ter Everybody Hurts este disco já merece lugar de destaque em qualquer coleção. Tão bom que o próprio grupo teria dificuldade em fazer novamente música com essa relevância.

4 – Green (1988): o primeiro disco lançado por uma grande gravadora, é um trabalho que casa as raízes folk e roqueiras do R.E.M. em grande estilo.

5 – Out Of Time (1991): é aqui que eles se tornaram realmente gigantes. Culpa de Losing My Religion, uma canção capaz de tocar em rádios alternativas e nas Antenas Um da vida. A melhor música, no entanto, é a fantástica Country Feedback, uma das preferidas do vocalista Michael Stipe.

Verdade Uma Ilusão

Gosto muito de Marisa Monte. Mas não pelos motivos pelos quais a maioria das pessoas gosta.

Não acho que ela seja uma “diva” e nem mesmo acho que ela pode ser equiparada às grandes vozes femininas de nossa música.

Para mim o grande encanto de Marisa está justamente em sua postura anti-diva e, sobretudo, em sua habilidade ímpar de fazer música popular sem ofender nossa já tão atacada sensibilidade. Principalmente depois que deixou de emular a Gal Costa da década de 1970, MM passou a fazer uma música romântica que milagrosamente escapa da breguice.

De certa forma, ela faz hoje o que Roberto Carlos fazia nos anos 70. É por isso que suas canções aparecem de forma tão confortável em trilhas sonoras de novelas e em rádios populares. Seu mais recente disco, O Que Você Quer Saber de Verdade, é o melhor exemplo disso.

Não à toa, muita gente achou que MM “embregou” de vez. Não à toa, duas das músicas enfeitaram cenas românticas em folhetins globais. E não à toa, também, o disco faz muito sucesso em meu cd player.

O show que o divulga é supimpa, uma beleza não apenas musical, mas um espetáculo visual belíssimo, em que projeções iluminam cada canção e que, com certeza, deve render um DVD num futuro próximo.

Se esse é o caminho que Marisa seguirá, é difícil prever. Depois de tribalismos, sambas e divinas cafonices, só dá para dizer que essa mulher é um presente dos céus.

Horses

 

Há 30 anos, a Sony colocava no mercado os primeiros CDs para venda direta ao consumidor. O objeto de plástico brilhante foi alvo ao longo desses trinta anos de furiosas reações por parte de puristas, mas acabou se estabelecendo como a mídia principal de comercialização de música. Em seu período áureo, o CD chegou à assustadora soma de quase um bilhão de unidades vendidas em todo o mundo.

Comprei meu primeiro CD player em 1994 e me lembro até hoje da minha primeira aquisição. Existia aqui em Brasília uma rede de lojas chamada Cash Box e uma delas ficava bem próxima do meu trabalho.

Foi lá que comprei Horses, da Patti Smith,  Dirty, do Sonic Youth, Kiss This, do Sex Pistols e Us, do Peter Gabriel, todos no mesmo dia. O preço do CD ainda era relativamente alto e os discos de vinil ainda eram produzidos regularmente. Em pouco menos de um ano, eles, literalmente, desapareceriam das prateleiras e o CD passaria a ser a única opção para se ouvir música nova (pelo menos aqui no Brasil. Na Europa e nos Estados Unidos a produção de vinil nunca foi totalmente abandonada).

É curioso observar que, nestes trinta anos, o CD cumpriu um ciclo rápido de apogeu e decadência. É curioso pensar também que o vinil, que muitos deram por morto e enterrado, seja hoje visto como a única possível salvação para colecionadores e aficionados. O futuro é incerto, sem dúvida. Não vejo, entretanto, como desaparecer por completo o meio físico. Sempre existirá gente que necessita do objeto, do contato físico com a obra. É a mesma sombra que paira sobre o livro de papel, gradativamente substituído por leitores digitais cada vez mais sofisticados.

O fato é que aqueles quatro discos que inauguram minha coleção de bolachinhas prateadas continuam passando, vez ou outra, pelo meu aparelho de som. Acho o mesmo difícil para quem adquire ou baixa um disco digitalmente. Fico pensando até se essas pessoas se lembram do que ouviram no dia anterior.

Algiers

É incrível que uma banda tão interessante quanto o Calexico tenha tão pouco reconhecimento. Já são mais de 20 anos de carreira e nenhum disco ruim. 

O mais recente, Algiers, honra o nome do grupo, embora não acrescente nada de rigorosamente novo a seu caldeirão sonoro. Ainda bem. 

O Calexico (o nome vem de uma cidadezinha na fronteira dos Estados Unidos com o México) segue fazendo o que sabe: indie rock com um toque de música latina, alguns experimentos com gêneros alheios ao universo da música pop – fado, canção francesa, jazz, entre outros - e a sutil melancolia das composições de Joe Burns e Joey Convertino.

Coexist

Tenho certa dificuldade em entender o barulho em torno de algumas bandas novas. Pegue-se, por exemplo, o The XX, trio formado em 2008 na cidade de Londres. O primeiro trabalho, lançado em 2009, figurou em várias listas de melhores do ano e revelou para o mundo três jovens tímidos e levemente misteriosos. 

Agora, já mais acostumados com o novo status de celebridades, o trio retorna com Coexist.

Musicalmente, pouco mudou. Os vocalistas Romy Madley Croft e Oliver Sim dificilmente podem ser chamados de cantores. Eles murmuram suas letras como se estivessem permanentemente dopados. Os arranjos permanecem esparsos, quase inexistentes (o chique é dizer que isso é minimalista). O tédio percorre o disco do início ao fim. 

Na verdade, deve ser isso que traz tamanho encanto. Numa época de tanta exposição e exagero público, a postura reservada e distante do XX chama a atenção. Nesse aspecto, eu até que simpatizo com eles. Mas gostar de sua música, já é outra história...

Teenage Head

É difícil entender porque alguns discos passam completamente em branco pela história da música pop.

É o caso de Teenage Head da banda americana Flamin’ Groovies. Lançado originalmente em 1971, o disco pode ser comparado facilmente aos melhores momentos dos Stones ou do Dr. Feelgood. A fonte de onde todos bebem é o blues elétrico de gigantes como Muddy Waters e Howlin Wolf.

Em Teenage Head nenhum segundo é desperdiçado. Os Groovies vão direto ao ponto em rocks sensacionais como Have You Seen My Baby e High Flying Baby, mas são craques também em baladas matadoras como Yesterday Numbers e Whiskey Woman. 

Para quem é fã de blues rock com muita sujeira e energia, este é um disco simplesmente imprescindível.

The Lion's Roar

As irmãs Johanna e Klara são suecas, mas pelo que mostram em seu segundo disco, The Lion’s Roar, é como se tivessem nascido e se criado no interior dos Estados Unidos.

Com o primeiro disco, lançado em 2010, as garotas chamaram a atenção não apenas da crítica especializada, como também de importantes músicos contemporâneos.

The Lion’s Roar é produzido por Mike Mogis – famoso por seus trabalhos com o Bright Eyes e Monsters Of Folk –, que explora com habilidade a capacidade das irmãs de criarem belas melodias.

 O clima é pastoral e nos remete imediatamente ao country rock de Emmylou Harris, Gene Clark e The Byrds.

Ainda falta ao First Aid Kit encontrar sua verdadeira personalidade, mas, enquanto isso, elas vão encantando com sua doce musicalidade.

Purple Rain

Quando Purple Rain, o filme, foi lançado em 1984 eu tinha entre 13 e 14 anos e não o vi no cinema. Mas não fiquei imune ao que se poderia chamar de princemania.

Aquele ano foi inteiramente de Prince, que viu sua estreia no cinema render horrores enquanto a trilha sonora homônima vendia como água.

Acabei assistindo o filme na televisão aberta, com cortes, dublagem, propagandas e tudo mais. Detestei, obviamente.

Recentemente, revi Purple Rain num dos canais HBO sem saber direito o que esperar, afinal a memória nos prega muitas peças. Confesso que, como num filme da Boca do Lixo, achei tudo tão ruim que acabei gostando.

Figurino, maquiagem, penteados, atuações, tudo é tão absurdo que se torna impagável. A estrela Prince passa todo o tempo com cara de vítima enquanto um desfile de figuras inacreditáveis entregam performances surreais de tão horríveis.

O filme só engrena mesmo nas cenas de palco. Purple Rain, o disco, é uma das obras-primas do gênio de Minneapolis e, embora a historinha que elas contam seja meia-boca total, o desempenho do baixinho e sua banda da época, a Revolution, é de deixar qualquer um de queixo caído.

Na sequência Prince gravaria uma das músicas do século, Kiss, além de mais três discos impecáveis: Sign' O The Times, Lovesex e Diamonds And Pearls.

Depois, ele pirou na batatinha, brigou com a gravadora, trocou o nome por um símbolo e seguiu gravando discos cada vez mais fraquinhos. Mas isso já é outra história.

Tomorrow The Green Grass

O Jayhawks é uma banda que sempre nadou contra a corrente.

Em pleno anos 1990, quando as guitarras sujas do Nirvana e do Pearl Jam dominavam as paradas, o grupo de Mark Olson e Gary Louris preferiu fazer um rock mais tradicional, recuperando boa parte da herança rural da música americana e entregando ao público discos primorosos que, anos depois, influenciariam numerosos novos artistas.

Tomorrow The Green Grass é, para mim, o melhor disco que eles gravaram. É também um dos meus discos preferidos, daqueles que ouço sempre com um prazer renovado. 

Cada música é uma pequena maravilha, mas destaco a faixa de abertura, Blue, I’d Run Away, Real Light e Bad Time. São canções simplesmente perfeitas, de uma espécie rara que não enferruja nunca.

Se eles tivessem gravado apenas essas quatro músicas, já mereceriam um lugar especial no panteão do moderno rock americano.